III. C) Pintura Gótica

C) La pintura gótica desde sus inicios hasta la segunda mitad del siglo XV sufre una evolución vinculada tanto al empleo de diferentes materiales como a técnicas y estilos según las zonas y los autores. Desde el punto de vista de los temas y las fuentes de inspiración, sigue las mismas pautas que el arte de la escultura: los temas evangélicos y los ciclos de la infancia. Pasión y muerte de Cristo y de la Virgen se mantienen como una constante a lo largo del tiempo, si bien en el siglo XV, las figuras de donantes, los retratos y los fondos de paisaje van abriendo camino a una mayor preocupación por el hombre y la naturaleza que anticipa el Renacimiento.

Fases de la pintura gótica

Podemos distinguir cuatro fases en la evolución de la pintura gótica:

A. Gótico lineal o franco-gótico (siglo XIII a mediados del siglo XIV)

Como ya hemos mencionado, la arquitectura gótica al abrir enormes ventanales en los interiores de las iglesias, reduce los espacios destinados a la pintura mural y limita la labor de los pintores a la decoración de vidrieras, miniaturas y madera para el ornato de los altares y de los pequeños retablos de las capillas. De ahí que las obras más características de este momento se reduzcan a estos capítulos. Francia sigue siendo la cabeza del estilo y este país determina las características de la etapa: predominio de las líneas del dibujo que delimitan superficies coloreadas con tonos intensos y planos, sencillez en el tratamiento de los temas y vinculación a programas iconográficos con una clara finalidad didáctica en consonancia con el pensamiento de la época.

En España las formas francesas del gótico lineal se unen a una influencia bizantina que llega a la Península tras la conquista de Constantinopla por los cruzados en el año 1204 y a la pervivencia del románico que reserva grandes superficies destinadas a la pintura mural. De ahí que podamos hablar de tres tipos de obras:

Pintura mural. El conjunto más destacable es la decoración de la Capilla de San Martín del Aceite en la Catedral Vieja de Salamanca. En ella, los temas se organizan como retablos o vidrieras con enmarcamientos arquitectónicos, de ángeles o escudos en cuyo interior se disponen escenas de la vida de la Virgen.

Pintura sobre tabla. La tabla se va a utilizar como soporte para la decoración de frontales de altar, principalmente en Cataluña. En ellos se advierte la evolución desde la estética del románico al estilo francés —Frontal de Avió, hoy en el Museo Nacional de Arte de Cataluña—; retablos —como el de San Cristóbal en el Museo del Prado—; techumbres —como la de la Catedral de Teruel— y la decoración de sepulcros —el de Mahamud de Esgueva en Burgos.

Miniatura. Las miniaturas de las Cantigas de Santa María, compuestas bajo las órdenes del rey Alfonso X el Sabio, destacan por su sencilla descripción de la vida cotidiana con un carácter ingenuo y una gran belleza en los colores y en los trazados geométricos que enmarcan cada una de las páginas.

Estilo internacional (fines del siglo XIV-primera mitad del siglo XV)

Este estilo se crea al fundirse las influencias del gótico lineal y de los pintores del Trecento italiano gracias a la presencia de Simone Martini en la corte papal de Aviñón. Entre sus características más significativas citaremos: la estilización de las figuras con gran protagonismo de la línea curva, el interés por los ropajes complicados y con numerosos pliegues, la importancia concedida a los detalles anecdóticos, el acercamiento a los fondos naturalistas y el aumento del repertorio iconográfico, sobre todo en lo referente a los temas marianos.

El estilo internacional tiene una importante base cortesana —el círculo de los duques de Borgoña— y sus artistas principales se relacionan con las miniaturas y el trabajo primoroso que constituirá el precedente más claro de la pintura flamenca de la segunda mitad de este siglo. La obra más conocida es la ilustración del libro de Las muy ricas horas del duque de Berry realizada por los hermanos Limburgo.

La segunda generación de pintores

Entre los artistas de este segundo grupo podemos destacar a Hans Memling (muerto en 1494); Gerard David (muerto en 1523) y Hugo van der Goes (1440-1482) y Hieronymus Bosch más conocido como El Bosco (hacia 1450-1516).

Hugo van der Goes fue profesor en el gremio de pintores de Gante y hacia 1475 se retiró como canónigo al convento de los agustinos de Bruselas, lugar en donde se le permitió continuar con su oficio, de ahí el profundo misticismo que impregna su pintura. Su obra capital es el Tríptico del Nacimiento o Tríptico Portinari realizado hacia 1474-1476 por encargo del comerciante fiorentino Tomasso Portinari, agente de los Médici en la ciudad de Brujas.

El Bosco fue un pintor admirado por Felipe II quien reunió una gran colección de sus obras en El Escorial que hoy podemos admirar en el Museo del Prado. Este artista residió en la villa flamenca de Hertongebosch, en cuya iglesia de San Juan existe una serie de gárgolas fantásticas que pudieron ser una fuente de inspiración para el universo imaginativo que compone su obra. Sus inquietantes imágenes representan el ocaso de la Edad Media y tras años de olvido fueron recuperadas por los visionarios del siglo XIX — como William Blake— y por los pintores surrealistas del siglo XX.

La más enigmática de sus obras es el Tríptico del jardín de las delicias (1503-1504). La hoja de la izquierda presenta el jardín del edén y en él a Dios Padre creando a Eva, la tabla central muestra a un enjambre de hombres y mujeres desnudos que retozan y se acarician en un paisaje lleno de objetos y pájaros extraños; la hoja de la derecha es una visión del infierno en la que se presentan los castigos que los pecadores habrán de recibir por la comisión de sus faltas. La obra ha sido objeto de interpretaciones diversas: la creación de la mujer parece conducir al nacimiento de la lujuria, uno de los siete pecados capitales, castigado con el fuego del infierno. Parece que esta obra pudiera ser un cuadro de altar, tratándose de un encargo privado.